Attore

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Attori della Comédie-Française, c. 1720.

Un attore (spesso attrice per donne, vedi terminologia) è una persona che ritrae un personaggio in una performance.[1] L'attore recita "nella carne" nel mezzo tradizionale del teatro o in mezzi moderni come film, radio e televisione. Il termine greco analogo è ὑποκριτής (hupokritḗs), letteralmente "colui che risponde".[2] L'interpretazione dell'attore del loro ruolo, l'arte della recitazione, si riferisce al ruolo giocato, sia esso basato su una persona reale o personaggio immaginario. L'interpretazione avviene anche quando l'attore "gioca se stesso", come in alcune forme di arte performativa sperimentale.

Precedentemente, in alcune società, solo gli uomini potevano diventare attori e i ruoli femminili venivano generalmente interpretati da uomini o ragazzi.[3] Quando venivano usate per il palco, le donne recitavano occasionalmente i ruoli di ragazzi in età prepuberale.[4]

Terminologia

Dopo il 1660 in Inghilterra, quando le donne cominciarono ad apparire sul palco, i termini attore o attrice inizialmente erano usati in modo intercambiabile per interpreti femminili, ma in seguito, influenzati dai francesi actrice, attrice divenne il termine comunemente utilizzato per le donne nel teatro e nel cinema. L'etimologia è una derivazione semplice da attore con -ess aggiunto.[5] Quando ci si riferisce a gruppi di artisti di entrambi i sessi, attori è preferito.[6]Attore viene anche utilizzato prima del nome completo di un esecutore come termine specifico di genere.

All'interno della professione, la ri-adozione del termine neutro risale al periodo post-bellico degli anni '50 e '60, quando i contributi delle donne alla vita culturale in generale venivano rivisti.[7] quando L'osservatore e Il guardiano ha pubblicato la loro nuova guida di stile congiunta nel 2010, ha dichiarato "Usa [" attore "] per attori sia maschili che femminili, non usare l'attrice tranne quando in nome del premio, ad esempio Oscar come miglior attrice".[6] Gli autori della guida affermano che "l'attrice rientra nella stessa categoria di autrice, commediante, direttrice," dottoressa "," infermiere "e termini simili e obsoleti che risalgono a un periodo in cui le professioni erano in gran parte riservate a un sesso (di solito uomini) ". (Vedere maschio come norma). "Come Whoopi Goldberg ha messo in un'intervista con il giornale: 'Un'attrice può interpretare solo una donna, io sono un attore, posso suonare qualsiasi cosa'".[6] Il sindacato degli esecutori del Regno Unito Equity non ha alcuna politica sull'uso di "attore" o "attrice". Un portavoce dell'Equity ha affermato che il sindacato non crede che vi sia un consenso in merito e afferma che "... il soggetto divide la professione".[6] Nel 2009, il Los Angeles Times ha affermato che "attrice" rimane il termine comune utilizzato nei principali premi di recitazione assegnati alle donne destinatarie[8] (ad esempio, Premio Oscar per la migliore attrice).

Per quanto riguarda il cinema degli Stati Uniti, il termine "giocatore" di genere neutrale era comune nel cinema nell'era del cinema muto e agli albori del Codice di produzione cinematografica, ma negli anni 2000 in un contesto cinematografico, è generalmente ritenuto arcaico. Tuttavia, "giocatore" rimane in uso nel teatro, spesso incorporato nel nome di un gruppo teatrale o di una compagnia, come i giocatori americani, i giocatori dell'est-west, ecc. Inoltre, gli attori del teatro improvvisato possono essere definiti "giocatori" ".[9]

Storia

Il primo caso registrato di un attore si è verificato nel 534 aC (anche se i cambiamenti nel calendario nel corso degli anni rendono difficile determinare esattamente) quando il performer greco Thespis è salito sul palco al Teatro Dioniso diventare la prima persona conosciuta a parlare le parole come un personaggio in un gioco o una storia. Prima dell'atto di Thespis, le storie greche venivano espresse solo nella canzone, nella danza e nella narrativa in terza persona. In onore di Tespi, gli attori vengono comunemente chiamati attori. Gli attori esclusivamente maschili nel teatro dell'antica Grecia si sono esibiti in tre tipi di dramma: tragedia, commedia e satira.[10] Il teatro occidentale si sviluppò e si espanse considerevolmente sotto i Romani. Il teatro dell'antica Roma era una forma d'arte rigogliosa e varia, che spaziava da spettacoli teatrali di strada, danza nuda e acrobazie, alla messa in scena di commedie di situazioni, a tragedie elaborate con stile verbale.

Quando l'Impero Romano d'Occidente cadde in rovina nel IV e V secolo, la sede del potere romano passò a Costantinopoli e all'impero bizantino. Le registrazioni mostrano che mimo, pantomima, scene o recitazioni di tragedie e commedie, danze e altri divertimenti erano molto popolari. Dal V secolo l'Europa occidentale fu immersa in un periodo di disordine generale. Piccoli gruppi nomadi di attori hanno viaggiato in giro per l'Europa per tutto il periodo, esibendosi ovunque potessero trovare un pubblico; non ci sono prove che abbiano prodotto qualcosa di diverso da scene rozze.[11] Tradizionalmente, gli attori non erano di alto rango; perciò, nell'alto medioevo, le compagnie di viaggi itineranti erano spesso viste con diffidenza. Gli attori del primo medioevo furono denunciati dalla Chiesa durante il Medioevo, poiché erano considerati pericolosi, immorali e pagani. In molte parti d'Europa, le credenze tradizionali della regione e il periodo di tempo hanno significato che gli attori non potevano ricevere una sepoltura cristiana.

Nell'alto Medioevo, le chiese in Europa iniziarono a mettere in scena versioni drammatizzate di eventi biblici. Verso la metà dell'XI secolo, il dramma liturgico si era diffuso dalla Russia alla Scandinavia in Italia. The Feast of Fools ha incoraggiato lo sviluppo della commedia. Nel tardo medioevo, le opere teatrali venivano prodotte in 127 città. Questi drammi di mistero vernacolare contengono spesso commedie, con attori che interpretano diavoli, cattivi e pagliacci.[12] La maggior parte degli attori in queste commedie è stata tratta dalla popolazione locale. Gli artisti dilettanti in Inghilterra erano esclusivamente maschi, ma in altri paesi c'erano interpreti femminili.

C'erano un certo numero di opere secolari inscenate nel Medioevo, la prima delle quali è Il gioco di Greenwood di Adam de la Halle nel 1276. Contiene scene satiriche e materiale popolare come faeries e altri eventi soprannaturali. Anche le meraviglie sono aumentate notevolmente dopo il XIII secolo. Alla fine del tardo Medioevo, attori professionisti cominciarono ad apparire in Inghilterra e in Europa. Richard III e Henry VII mantenevano entrambe le piccole società di attori professionisti. A partire dalla metà del 16 ° secolo, le compagnie della Commedia dell'arte eseguirono per tutta l'Europa vivaci spettacoli improvvisati in tutta Europa. La Commedia dell'arte era un teatro centrato sull'attore, che richiedeva poco scenario e pochissimi oggetti di scena. I giochi erano strutture allentate che fornivano situazioni, complicazioni e risultati dell'azione, attorno ai quali gli attori improvvisavano. I giochi utilizzavano personaggi di serie. Una troupe in genere consisteva di 13 o 14 membri. Alla maggior parte degli attori è stata pagata una quota dei profitti del gioco, approssimativamente equivalente alle dimensioni dei loro ruoli.

Uno schizzo del 1596 di una performance in corso sul palcoscenico di The Swan, un tipico teatro elisabettiano a tetto scoperto.

Teatro rinascimentale derivato da diverse tradizioni teatrali medievali, come i drammi misteriosi, "drammi morali" e il "dramma universitario" che tentava di ricreare la tragedia ateniese. La tradizione italiana della Commedia dell'arte, così come le elaborate maschere spesso presentate a corte, contribuirono anche alla formazione del teatro pubblico. Da prima del regno di Elisabetta I, le compagnie di giocatori erano legate a famiglie di aristocratici e si esibivano stagionalmente in varie località. Queste sono diventate la base per i giocatori professionisti che si sono esibiti sul palcoscenico elisabettiano.

Lo sviluppo del teatro e le opportunità di recitazione cessarono quando l'opposizione puritana alla scena proibì la rappresentazione di tutti i drammi all'interno di Londra. I puritani consideravano il teatro immorale. La riapertura dei teatri nel 1660 segnò una rinascita del dramma inglese. Le commedie inglesi scritte ed eseguite durante il periodo della Restaurazione dal 1660 al 1710 sono chiamate collettivamente "Commedia del restauro". La commedia del restauro è famosa per il suo esplicito esplicito sessuale. A questo punto, le donne sono state ammesse per la prima volta ad apparire sul palcoscenico inglese, esclusivamente in ruoli femminili. Questo periodo vide l'introduzione delle prime attrici professionisti e l'ascesa dei primi attori famosi.

19esimo secolo

Henry Irving in Le campane, 1874.

Nel diciannovesimo secolo, la reputazione negativa degli attori fu in gran parte invertita e la recitazione divenne una professione e un'arte popolare e onorata.[13] L'ascesa dell'attore come celebrità ha fornito la transizione, mentre il pubblico affollava le sue "stelle" preferite. Un nuovo ruolo è emerso per gli attori-manager, che hanno formato le loro società e controllato gli attori, le produzioni e il finanziamento.[14] Quando hanno avuto successo, hanno creato una clientela permanente che affollava le loro produzioni. Potrebbero allargare il loro pubblico andando in tournée in tutto il paese, eseguendo un repertorio di opere ben note, come quelle di Shakespeare. I giornali, i club privati, i pub e le caffetterie hanno suscitato vivaci discussioni valutando i meriti relativi delle stelle e delle produzioni. Henry Irving (1838-1905) è stato il maggior successo degli attori-manager britannici.[15] Irving era famoso per i suoi ruoli shakespeariani e per innovazioni come quella di spegnere le luci della casa in modo che l'attenzione potesse concentrarsi maggiormente sul palco e meno sul pubblico. La sua compagnia viaggiò attraverso la Gran Bretagna, oltre che in Europa e negli Stati Uniti, dimostrando il potere di attori famosi e ruoli celebrati per attrarre un pubblico entusiasta. Il suo cavalierato nel 1895 indicava piena accettazione nei circoli più alti della società britannica.[16]

20 ° secolo

All'inizio del 20 ° secolo, l'economia delle produzioni su larga scala ha soppiantato il modello attore-manager. Era troppo difficile trovare persone che univano un genio alla recitazione e al management, quindi la specializzazione ha diviso i ruoli come manager di palcoscenici e in seguito registi teatrali. Dal punto di vista finanziario, era necessario un capitale molto più grande per operare fuori da una grande città. La soluzione era la proprietà aziendale di catene di teatri, come ad esempio il Sindacato Teatrale, Edward Laurillard e in particolare l'Organizzazione Shubert. Con il catering per i turisti, i teatri delle grandi città sempre più favorivano lunghe serie di spettacoli molto popolari, soprattutto musical. Le star dei grandi nomi sono diventate ancora più essenziali.[17]

tecniche

Articolo principale: Elenco delle tecniche di recitazione
  • La recitazione classica è un termine generico per una filosofia di recitazione che integra l'espressione del corpo, della voce, dell'immaginazione, della personalizzazione, dell'improvvisazione, degli stimoli esterni e dell'analisi dello script. Si basa su teorie e sistemi di attori e registi classici selezionati, tra cui Konstantin Stanislavski e Michel Saint-Denis.
  • Nel sistema di Stanislavskij, noto anche come metodo di Stanislavskij, gli attori attingono ai propri sentimenti ed esperienze per trasmettere la "verità" del personaggio che ritraggono. Gli attori si mettono nella mentalità del personaggio, trovando le cose in comune per dare un ritratto più genuino del personaggio.
  • La recitazione al metodo è una serie di tecniche basate sul training degli attori per ottenere una migliore caratterizzazione dei personaggi che interpretano, come formulata da Lee Strasberg.Il metodo di Strasberg si basa sull'idea che per sviluppare una comprensione emotiva e cognitiva dei loro ruoli, gli attori dovrebbero usare le proprie esperienze per identificarsi personalmente con i propri personaggi. Si basa su aspetti del sistema di Stanislavski. Altre tecniche di recitazione si basano anche su idee di Stanislavskij, come quelle di Stella Adler e Sanford Meisner, ma queste non sono considerate "metodo di recitazione".[18]
  • La tecnica di Meisner richiede che l'attore si concentri totalmente sull'altro attore come se fosse reale e esiste solo in quel momento. Questo è un metodo che rende gli attori della scena più autentici per il pubblico. Si basa sul principio che recitare trova la sua espressione nella risposta delle persone ad altre persone e circostanze. È basato sul sistema di Stanislavski.

Come sesso opposto

L'attrice Margaret Hughes, c. 1670

Precedentemente, in alcune società, solo gli uomini potevano diventare attori. Nell'antica Grecia e nell'antica Roma[19] e il mondo medievale, fu considerato vergognoso che una donna andasse sul palcoscenico; questa convinzione persistette fino al XVII secolo a Venezia. Nel tempo di William Shakespeare, i ruoli femminili venivano generalmente interpretati da uomini o ragazzi.[3]

Quando una proibizione dei drammi puritani durata diciotto anni è stata revocata dopo la Restaurazione inglese del 1660, le donne hanno iniziato ad apparire sul palco in Inghilterra. Margaret Hughes è spesso considerata la prima attrice professionista sul palcoscenico inglese.[20] Questo divieto finì durante il regno di Carlo II in parte perché gli piaceva guardare le attrici sul palco.[21] La prima occorrenza del termine attrice era nel 1608 secondo l'OED ed è ascritta a Middleton. Nel diciannovesimo secolo molte vedevano le donne recitare negativamente, poiché le attrici erano spesso cortigiane e associate alla promiscuità. Nonostante questi pregiudizi, il 19 ° secolo vide anche le prime "star" di recitazione femminile, in particolare Sarah Bernhardt.[22]

In Giappone, onnagata, uomini che ricoprono ruoli femminili, erano usati in kabuki teatro quando alle donne è stato vietato di esibirsi sul palco durante il periodo Edo. Questa convenzione continua. Al contrario, alcune forme del dramma cinese coinvolgono donne che interpretano tutti i ruoli.

Nei tempi moderni, le donne occasionalmente recitavano nei ruoli di ragazzi in età prepuberale. Ad esempio, il ruolo teatrale di Peter Pan è tradizionalmente interpretato da una donna, come lo sono i principali ragazzi della pantomima britannica. L'Opera ha diversi "ruoli da culo" tradizionalmente cantati dalle donne, in genere mezzosoprano. Gli esempi sono Hansel in Hänsel und Gretel, Cherubino in Le nozze di Figaro e Ottaviano in Der Rosenkavalier.

Le donne che interpretano ruoli maschili non sono comuni nel film, con notevoli eccezioni. Nel 1982, Stina Ekblad ha interpretato il misterioso Ismael Retzinsky Fanny e Alexandere Linda Hunt ha ricevuto l'Oscar come migliore attrice non protagonista per aver interpretato Billy Kwan L'anno della vita pericolosamente. Nel 2007, Cate Blanchett è stata nominata per l'Academy Award come migliore attrice non protagonista per aver interpretato Jude Quinn, una rappresentazione romanzata di Bob Dylan negli anni '60, in Non sono lì.

Negli anni 2000, le donne che interpretano uomini nel teatro dal vivo sono particolarmente comuni nelle presentazioni di opere più antiche, come opere shakespeariane con un gran numero di personaggi maschili in ruoli in cui il genere è irrilevante.[4]

Avere un attore vestito come il sesso opposto per effetto comico è anche una tradizione di lunga data nel teatro comico e nel cinema. La maggior parte delle commedie di Shakespeare includono esempi di apertamente travestiti, come Francis Flute in Sogno di una notte di mezza estate. Il film Una cosa divertente è arrivata sul forum stars Jack Gilford si veste da giovane sposa. Tony Curtis e Jack Lemmon hanno posato come donne per sfuggire ai gangster nel film di Billy Wilder A qualcuno piace caldo. Il cross-dressing per effetti comici era un dispositivo usato frequentemente nella maggior parte dei film Carry On. Dustin Hoffman e Robin Williams sono apparsi in una commedia di successo (Tootsie e Signora Doubtfire, rispettivamente) in cui hanno interpretato la maggior parte delle scene vestite da donna.

Occasionalmente, il problema è ulteriormente complicato, ad esempio, da una donna che interpreta una donna che agisce da uomo - che poi finge di essere una donna, come Julie Andrews in Victor / Victoriao Gwyneth Paltrow Shakespeare in Love. In È Pat: The Moviei cineasti non imparano mai il genere dei principali personaggi androgini Pat e Chris (interpretati da Julia Sweeney e Dave Foley). Allo stesso modo, nel già citato esempio di Le nozze di Figaro, c'è una scena in cui Cherubino (un personaggio maschile ritratto da una donna) si veste e fa da donna; gli altri personaggi nella scena sono consapevoli di un unico livello di offuscamento del ruolo di genere, mentre il pubblico è consapevole di due livelli.

Alcuni ruoli moderni sono interpretati da un membro del sesso opposto al fine di enfatizzare la fluidità di genere del ruolo. Edna Turnblad in Hairspray è stato interpretato da Divine nel film originale del 1988, Harvey Fierstein nel musical di Broadway e John Travolta nel musical del 2007. Felicity Huffman è stata nominata per un Academy Award come miglior attrice per aver interpretato Bree Osbourne (un transessuale da maschio a femmina) nel 2005 Transamerica.

tipi

Gli attori che lavorano in teatro, cinema, televisione e radio devono imparare competenze specifiche. Le tecniche che funzionano bene in un tipo di recitazione potrebbero non funzionare bene in un altro tipo di recitazione.

Nel teatro

Per recitare sul palco, gli attori devono imparare le indicazioni sceniche che appaiono nella sceneggiatura, come "Stage Left" e "Stage Right". Queste indicazioni sono basate sul punto di vista dell'attore mentre si trova sul palco di fronte al pubblico.Gli attori devono anche imparare il significato delle indicazioni di scena "Upstage" (lontano dal pubblico) e "Downstage" (verso il pubblico)[23] Gli attori teatrali devono imparare il blocco, che è "... dove e come un attore si muove sul palco durante una rappresentazione". La maggior parte degli script specifica alcuni blocchi. Il direttore dà anche istruzioni sul blocco, come attraversare il palco o raccogliere e usare un sostegno.[23]

Alcuni attori teatrali hanno bisogno di imparare il combattimento scenico, che viene simulato combattendo sul palco. Gli attori potrebbero dover simulare corpo a corpo [combattimento] o spada [combattimento]. Gli attori sono istruiti dai direttori di lotta, che li aiutano a imparare la sequenza coreografica delle azioni di combattimento.[23]

Nel film

Film muti

Dal 1894 alla fine degli anni 1920, i film erano film muti. Attori di film muti hanno enfatizzato il linguaggio del corpo e l'espressione facciale, in modo che il pubblico potesse capire meglio ciò che un attore sentiva e ritrarre sullo schermo. La recitazione di un film molto silenzioso è atta a colpire il pubblico moderno come semplicistico o accampato. Lo stile di recitazione melodrammatico era in alcuni casi un attore abitudinario trasferito dalla loro precedente esperienza teatrale. Il teatro del Vaudeville è stato un'origine particolarmente popolare per molti attori cinematografici muti americani.[24] La presenza pervasiva di attori teatrali nel film è stata la causa di questa esplosione dal regista Marshall Neilan nel 1917: "Quanto prima il palcoscenico è uscito dalla gente, meglio è per le foto". In altri casi, registi come John Griffith Wray hanno richiesto ai loro attori di esprimere le espressioni più importanti della vita per dare enfasi. Già nel 1914, gli spettatori americani avevano cominciato a far conoscere la loro preferenza per una maggiore naturalezza sullo schermo.[25]

I registi pionieristici in Europa e negli Stati Uniti hanno riconosciuto i diversi limiti e le libertà dei mezzi di scena e di schermo all'inizio degli anni '10. I film muti divennero meno vaudevilliani verso la metà degli anni 1910, quando le differenze tra palcoscenico e schermo divennero evidenti. Grazie al lavoro di registi come D W Griffith, la cinematografia è diventata meno scenica, e il primo piano rivoluzionario ha permesso una recitazione sottile e naturalistica. In America, D.W. La società di Griffith, Biograph Studios, divenne nota per la sua direzione innovativa e la sua recitazione, diretta al cinema piuttosto che al palcoscenico. Griffith si è reso conto che la recitazione teatrale non ha un bell'aspetto nel film e ha richiesto ai suoi attori e attrici di passare attraverso settimane di formazione per recitazione cinematografica.[26]

Lillian Gish è stata definita "la prima vera attrice" del film per il suo lavoro nel periodo in cui è stata pioniera delle nuove tecniche di esecuzione del film, riconoscendo le differenze cruciali tra il palcoscenico e la recitazione. Registi come Albert Capellani e Maurice Tourneur iniziarono a insistere sul naturalismo nei loro film. Verso la metà degli anni '20 molti film muti americani avevano adottato uno stile di recitazione più naturalistico, sebbene non tutti gli attori e registi accettassero immediatamente azioni naturalistiche e di basso profilo; fino al 1927, film con stili di recitazione espressionistici, come Metropoli, stavano ancora uscendo. [27]

Secondo Anton Kaes, uno studioso di cinema muto dell'Università del Wisconsin, il cinema muto americano iniziò a vedere uno spostamento delle tecniche di recitazione tra il 1913 e il 1921, influenzato dalle tecniche trovate nel film muto tedesco. Questo è principalmente attribuito all'afflusso di emigranti dalla Repubblica di Weimar, "inclusi registi, produttori, operatori, tecnici di illuminazione e di palcoscenico, così come attori e attrici".[28]

Avvento del suono nel film

Gli attori del cinema devono imparare ad abituarsi e sentirsi a proprio agio con una fotocamera davanti a loro.[29] Gli attori cinematografici devono imparare a trovare e rimanere sul loro "marchio". Questa è una posizione sul pavimento contrassegnata da un nastro. Questa posizione è dove le luci e la messa a fuoco della fotocamera sono ottimizzate. Gli attori cinematografici devono anche imparare a prepararsi bene e ad esibirsi bene nei test sullo schermo. Le prove su schermo sono un'audizione filmata di parte della sceneggiatura.

A differenza degli attori teatrali, che sviluppano i personaggi per le ripetute esibizioni, gli attori cinematografici mancano di continuità, costringendoli a venire a tutte le scene (a volte girate al contrario dell'ordine in cui alla fine appaiono) con un personaggio completamente sviluppato già.[26]

"Dato che il film cattura anche il più piccolo gesto e lo ingrandisce ..., il cinema richiede una performance corporea meno sgargiante e stilizzata rispetto a quella del teatro". "L'esecuzione dell'emozione è l'aspetto più difficile della recitazione cinematografica da padroneggiare: ... l'attore cinematografico deve fare affidamento su sottili zecche, faretre e piccoli strappi del sopracciglio per creare un personaggio credibile."[26] Alcune star del teatro "... hanno fatto la transizione da teatro a cinema con successo (Laurence Olivier, Glenn Close e Julie Andrews, per esempio), altri non hanno ..."[26]

Ruolo delle donne

L'attrice Anne Hathaway

Nel 2015, Forbes ha riferito che "... solo 21 dei 100 film di maggior successo del 2014 sono stati protagonisti di una protagonista femminile o di un co-protagonista, mentre solo il 28,1% dei personaggi in 100 film di grande successo erano donne ...".[30] Negli Stati Uniti c'è una "forbice" di salari di tutte le scale: in media, le donne bianche pagano 78 centesimi per ogni dollaro prodotto da un uomo bianco, mentre le donne ispaniche guadagnano 56 centesimi per un dollaro maschile bianco, nero donne da 64 cent e donne native americane a soli 59 centesimi. "[30]Forbes' L'analisi degli stipendi degli Stati Uniti nel 2013 ha stabilito che la lista "... uomini su Forbes" degli attori più pagati per quell'anno ha guadagnato 2 volte e mezzo tanto le attrici più pagate. Ciò significa che le attrici meglio compensate di Hollywood hanno fatto solo 40 centesimi per ogni dollaro pagato dagli uomini meglio compensati. "[31][32][33]

In televisione

"Su un televisore, ci sono tipicamente diverse telecamere angolate sul set.Gli attori che sono nuovi alla recitazione sullo schermo possono confondersi su quale macchina guardare. "[23] Gli attori televisivi devono imparare a usare i microfoni di lav (microfoni di Lavaliere).[23] Gli attori televisivi devono capire il concetto di "frame". "Il termine frame si riferisce all'area che l'obiettivo della fotocamera sta acquisendo."[23] All'interno del settore della recitazione, ci sono quattro tipi di ruoli televisivi che potrebbero essere assegnati ad uno spettacolo. Ogni tipo varia in risalto, frequenza dell'aspetto e retribuzione. Il primo è noto come a serie regolari-I principali attori dello spettacolo come parte del cast permanente. Attori in periodico i ruoli sono sotto contratto per apparire in più episodi di una serie. UN co-protagonista il ruolo è un piccolo ruolo che di solito compare solo in un episodio. UN ospite d'onore è un ruolo più grande di a co-protagonista ruolo, e il personaggio è spesso il fulcro centrale dell'episodio o parte integrante della trama.

In radio

Registrazione di uno spettacolo radiofonico nei Paesi Bassi (1949; Foto di Spaarnestad).

Il dramma radiofonico è una performance drammatizzata, puramente acustica, trasmessa alla radio o pubblicata su supporti audio, come nastro o CD. Senza componenti visive, il dramma radiofonico dipende dal dialogo, dalla musica e dagli effetti sonori per aiutare l'ascoltatore a immaginare i personaggi e la storia: "È uditivo nella dimensione fisica ma ugualmente potente come forza visiva nella dimensione psicologica".[34]

Il dramma radiofonico raggiunse una popolarità diffusa in un decennio del suo sviluppo iniziale negli anni '20. Negli anni '40, era un intrattenimento popolare internazionale di primo piano. Con l'avvento della televisione negli anni '50, tuttavia, il dramma radiofonico ha perso parte della sua popolarità e in alcuni paesi non ha mai riguadagnato un vasto pubblico. Tuttavia, le registrazioni di OTR (old-time radio) sopravvivono oggi negli archivi audio di collezionisti e musei, oltre a diversi siti online come Internet Archive.

A partire dal 2011, il dramma radiofonico ha una presenza minima sulla radio terrestre negli Stati Uniti. Gran parte del dramma radiofonico americano è limitato a ritrasmissioni o podcast di programmi dei decenni precedenti. Tuttavia, altre nazioni hanno ancora fiorente tradizione di radio drammaturgia. Nel Regno Unito, ad esempio, la BBC produce e trasmette centinaia di nuove trasmissioni radiofoniche ogni anno su Radio 3, Radio 4 e Radio 4 Extra. Podcasting ha anche offerto i mezzi per creare nuovi episodi radiofonici, oltre alla distribuzione di programmi vintage.

I termini "audio drama"[35] o "teatro audio" sono talvolta usati come sinonimi di "dramma radiofonico" con una possibile distinzione: l'audio drammatico o l'audio teatro potrebbero non essere necessariamente destinati specificamente alla trasmissione in radio. I drammi audio, sia di nuova produzione che classici OTR, possono essere trovati su CD, cassette, podcast, webcast e trasmissioni radio convenzionali.

Grazie ai progressi nella registrazione digitale e nella distribuzione di Internet, il dramma radiofonico sta vivendo una rinascita.[36]

Gioco attore